I grandi bronzi del Battistero - Museo Nazionale del Bargello

Roy Lichtenstein, o grande pioneiro da Pop Art - 6ª I - Luiza Salette Junca de Almeida

Desenvolveu nos anos 60 a imagem que o tornou conhecido: motivos da publicidade e da sociedade comunista.

Roy Fox Lichtenstein nasceu em 27 de outubro de 1923, em Nova York. Estudou Belas Artes na Ohio State University de Columbus, onde se formou em 1949. Professor nesta mesma Universidade passou por quatro outras até que a carreira de pintor decolou, em 1951.
Entre os dois períodos prestou serviço militar na Europa. Sua primeira exposição individual foi em 1951, na Carlebach Gallery, em Nova York. Até 1957, trabalhou como designer e fez cartazes para vitrines de lojas. Entre 1957 e 1960, oscilou entre o impressionismo abstrato as histórias em quadrinhos e cartuns. Até que se decidiu pelo uso dos elementos típicos da propaganda em seus desenhos e pinturas.  A primeira exposição em Nova York (1962) o torna pioneiro da pop art com o emprego de tudo que era usado como material publicitário. 
Os famosos personagens da Disney, como Mickey, o Coelho Pernalonga e Pato Donald se transformaram em inspiração constante em suas telas gigantes.
Com James Rosenquist e Andy Warhol, Roy, transforma-se num crítico feroz da sociedade norte americano, tomado pelo consumerismo institucionalizado pela publicidade. 
Uma revolta contra o expressionismo abstrato que vinha se tornando acadêmico, soprava em Nova York neste momento. Executou murais imensos como a Sereia do Theatre of Performing Arts em Miami e Blue Brushstrokes, no Equitable Building, New York.
Reviu, sob seu único ponto de vista, obras de grandes mestres como Monet, Picasso, Mondrian e Cézanne. Lichtenstein tinha algumas facetas não muito conhecidas pelo grande público: as esculturas do período 1967-1968, como a que enfeita a praça em Barcelona nos dias de hoje.
Roy Lichtenstein, morreu de pneumonia em 29/9/1997, mundialmente reconhecido e aclamado, em Nova York, cidade natal onde residia e tinha atelier.
Suas obras mais conhecidas mundialmente são Takka, Takka(1962), Whaam(1963), O Beijo(1963), Quando Abri Fogo(1964) e M-maybe(1965). Na década de 70, recriou motivos e estilos inspirados na história da arte para forçar uma nova perspectiva. Um dos grandes clássicos da pop art foi dedicado a ele. Muitas retrospectivas, como a do MoMA de Nova York, em 1987, e a da Schirn-Kunsthalle de Frankfurt, na Alemanha. 
Em 1999, foi criada a fundação Roy Lichtenstein Foundation, na qual administra um acervo gigantesco de suas obras, e está sendo gerenciada pelos filhos do artista.

Roy Lichtenstein (27 de outubro de 1923 - 29 de setembro de 1997) foi um proeminente americano artista pop . Durante a década de 1960 suas pinturas foram exibidas na Galeria Leo Castelli , em Nova York e, juntamente com Andy Warhol , Jasper Johns , James Rosenquist e outros que ele se tornou uma figura de liderança no movimento arte nova. Seu trabalho definido a premissa básica da arte pop melhor do que qualquer outro meio paródia .  Favorecendo o antiquado de quadrinhos como tema, Lichtenstein produziu hard-edged, composições precisas que documentou enquanto parodie muitas vezes em uma língua-de- bochecha forma humorística. Seu trabalho foi fortemente influenciado por ambos publicidade popular e história em quadrinhos de estilo. Ele mesmo descreveu Pop Art como "a pintura não 'americana', mas na verdade pintura industrial". 

Primeiros anos

Roy Lichtenstein nasceu em Manhattan em um upper-judia de classe média de Nova Iorque ^[1] da família e escola pública até os 12 anos de idade. Ele então se matriculou na Manhattan School de Franklin para meninos, permanecendo lá por sua educação secundária.  A arte não foi incluída no currículo da escola;. Lichtenstein primeiro se interessou por arte e design como um hobby. Ele era um fã de jazz avid, muitas vezes, assistir a concertos no Apollo Theater no Harlem.  Ele freqüentemente desenhou os retratos dos músicos tocando seus instrumentos.  Depois da formatura de Franklin, Lichtenstein matriculados em cursos de verão na Art Students League of New York , onde trabalhou sob a tutela de Reginald Marsh . 

Lichtenstein, em seguida, deixou Nova York para estudar na Universidade Estadual de Ohio , que ofereceu cursos de estúdio e uma licenciatura em artes plásticas.  Seus estudos foram interrompidos por um período de três anos no exército durante e após a Segunda Guerra Mundial entre 1943 e 1946 .  Lichtenstein voltou para casa para visitar seu pai moribundo e foi dispensado do exército sob o GI Bill . ^[4] Voltou a estudos em Ohio, sob a supervisão de um de seus professores, Hoyt L. Sherman , que é amplamente considerado ter tido um impacto significativo sobre o seu trabalho futuro (Lichtenstein, mais tarde, nome de um novo estúdio, ele financiados a OSU como o L. Hoyt Sherman Studio Art Center).  Lichtenstein entrou no programa de pós-graduação na Ohio State e foi contratado como uma arte instrutor, cargo que ocupou dentro e fora para os próximos dez anos. Em 1949, Lichtenstein recebeu um grau MFA da Universidade Estadual de Ohio e no mesmo ano, casou com Isabel Wilson, que foi casada com o artista de Ohio Michael Sarisky (Isabel divorciado Roy Lichtenstein em 1965). ^[6] Em 1951, Lichtenstein teve seu primeiro one-man exposição na Galeria Carlebach em Nova York. 

Ele se mudou para Cleveland , no mesmo ano, onde permaneceu por seis anos, embora ele freqüentemente viajava de volta a Nova York. Durante este tempo ele realizou trabalhos tão variados como desenhista para um decorador de janelas em entre períodos de pintura.  O seu trabalho neste momento oscilou entre o cubismo e o expressionismo.  Em 1954, seu primeiro filho, David Hoyt Lichtenstein, agora um compositor, nasceu. Ele então teve seu segundo filho, Mitchell Lichtenstein , em 1956.  Em 1957 ele voltou para upstate New York e começou a ensinar de novo.  Foi nessa época que ele adotou o expressionismo abstrato , estilo uma tarde converter a esta estilo de pintura.  De 1970 até sua morte, Lichtenstein dividir seu tempo entre Nova York e uma casa perto da praia em Southampton. 

Ascensão à fama

O Chefe (1992), Barcelona.

Lichtenstein começou a ensinar no interior de Nova York, na Universidade Estadual de Nova York em Oswego em 1958. No entanto, os invernos brutais upstate estavam tomando um pedágio sobre ele e sua esposa. 

Em 1960, ele começou a ensinar na Rutgers University , onde foi fortemente influenciado por Allan Kaprow , que também era professor na Universidade. Este ambiente ajudou a reacender o seu interesse em Proto pop-imagens.  Em 1961, Lichtenstein começou suas pinturas pop primeiro usando imagens de desenhos animados e as técnicas derivadas da aparência de impressão comercial. Esta fase vai continuar a 1965, e incluiu o uso de imagens de publicidade sugerindo consumismo e do lar.  Sua obra primeira a apresentar o uso em larga escala de hard-edged figuras e Ben-Day pontos foi Look Mickey (1961, National Gallery of Art , Washington, DC .)  Esta peça veio de um desafio de um de seus filhos, que apontou para um livro de quadrinhos do Mickey Mouse e disse: "Eu aposto que você não pode pintar tão bom quanto o que, hein, pai ? "  No mesmo ano, ele produziu seis outras obras com personagens reconhecíveis de embalagens de chiclete e desenhos animados.  Em 1961, Leo Castelli começou a exibir o trabalho de Lichtenstein em sua galeria em Nova York . Lichtenstein tinha seu show one-man na galeria de Castelli, em 1962; toda a coleção foi comprada por colecionadores influentes antes do show, mesmo aberto.  Em setembro de 1963 ele tomou uma licença de seu cargo de professor no Douglass College da Universidade Rutgers . 

Fama

Foi neste momento, que Lichtenstein começou a encontrar a fama não apenas na América mas no mundo inteiro. Ele voltou a Nova York para estar no centro do cenário artístico e pediu demissão do Rutgers University em 1964 para se concentrar em sua pintura.  Lichtenstein óleo usado e pintura Magna em seus trabalhos mais conhecidos, como garota Drowning (1963) , que foi apropriada a partir da história liderança naDC Comics Corações 'Secret # 83. (Drowning Girl agora paira no Museu de Arte Moderna de Nova York .  ) Também com contornos grossos, cores ousadas e Ben-Day pontos para representar determinadas cores, como se criado por fotográficas reprodução. Lichtenstein diria de sua própria obra: expressionistas abstratos "colocar as coisas na tela e respondeu ao que tinha feito, para os cargos de cores e tamanhos Meu estilo é completamente diferente, mas a natureza de colocar as linhas praticamente é o mesmo. ; mina apenas não saem à procura de caligrafia, como Pollock ou Kline ". 

Ao invés de tentar reproduzir seus súditos, seu trabalho abordou a forma como mídia de massa os retrata. Lichtenstein nunca levou muito a sério, porém: "Eu acho que meu trabalho é diferente dos quadrinhos, mas eu não chamaria isso de transformação, eu não acho que o que se entende por que é importante para a arte".  Quando seu trabalho foi lançado pela primeira vez, os críticos de arte do tempo desafiaram a sua originalidade. Mais freqüentemente do que não estavam fazendo nenhuma tentativa de ser positivo. Lichtenstein respondeu a tais alegações, oferecendo respostas, tais como o seguinte:.. "Quanto mais perto o meu trabalho é o original, o mais ameaçador e crítica do conteúdo No entanto, o meu trabalho é totalmente transformada em que o meu propósito e percepção são totalmente diferentes eu acho minhas pinturas são criticamente transformado, mas seria difícil prová-lo por qualquer linha de argumentação racional ".  Ele discutiu com esse pesadas críticas em entrevista com abril de Bernard e Thompson Mimi em 1986. Sugerindo que era às vezes difícil de ser criticado, Lichtenstein disse: "Eu não tenho dúvida de quando eu estou realmente a pintura, é a crítica que faz você se perguntar, o que faz." 

Whaam! (1963). Magna sobre tela. Em exposição na Tate Modern , de Londres .

Sua imagem mais famosa é, sem dúvida Whaam ! (1963, Tate Modern , Londres ), um dos primeiros exemplos de arte pop , adaptou uma história em quadrinhospainel de um problema de 1.962 DC Comics " All-American Men of War .  A pintura retrata um avião de caça disparando um foguete em um avião inimigo, com uma explosão de vermelho-e-amarelo. O estilo cartoon é intensificada pelo uso daonomatopéia lettering " Whaam ! "ea legenda encaixotado" Apertei o controle de fogo ... e antes de me foguetes brilhavam no céu ... "Este díptico é grande em escala, medindo 1,7 x 4,0 m (5 pés 7 x 13 ft 4 in). 

Painel de banda desenhada original deAll-American Men of War # 89, 1962 (DC Comics)

A maioria de suas mais conhecidas obras de arte estão relativamente próximos, mas não exato, cópias de painéis de história em quadrinhos, um assunto que em grande parte abandonada em 1965. (Ele ocasionalmente quadrinhos incorporar em seu trabalho de maneiras diferentes nas décadas seguintes.) Estes painéis foram originalmente desenhadas por artistas tais como quadrinhos Jack Kirby e da DC Comics artistas Russ Heath , Abruzzo Tony, Irv Novick , e Grandenetti Jerry , que raramente recebeu nenhum . crédito Jack Cowart , diretor-executivo da Fundação Lichtenstein, contesta a noção de que Lichtenstein foi um copista, dizendo:. "trabalho de Roy foi um deslumbramento das fórmulas gráficas ea codificação do sentimento que tinha sido trabalhado por outros Os painéis foram alterados em escala, cor, tratamento, e em suas implicações. Não há nenhuma cópia exata. "  No entanto, alguns  têm sido críticos do uso de Lichtenstein de histórias em quadrinhos de imagens, especialmente na medida em que o uso tem sido visto como endosso de uma visão paternalista dos quadrinhos pelo mainstream da arte; ^[18]observou quadrinhos autor Art Spiegelman comentou que "Lichtenstein fez nem mais nem menos para os quadrinhos do que Andy Warhol fez para a sopa." 

Em 1967, sua primeira exposição retrospectiva do museu foi realizada no Museu de Arte de Pasadena , na Califórnia. Também neste ano, sua primeira exposição individual na Europa realizou-se em museus em Amsterdã, Londres, Berna e Hannover.  Ele se casou com sua segunda esposa, Dorothy Herzka em 1968. 

Na década de 1970 e 1980, seu estilo começou a afrouxar e ele expandiu sobre o que ele tinha feito antes. Ele produziu uma série de "Artists Studios", que incorporou elementos de seu trabalho anterior. Um exemplo notável sendo Estúdio do Artista, Look Mickey (1973, Walker Art Center , Minneapolis ), que incorpora cinco outros trabalhos anteriores, montado na cena. 

No final de 1970, este estilo foi substituído por mais surreal obras como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen ).

Em 1977, ele foi contratado pela BMW para pintar uma versão de corrida do Grupo 5 da BMW 320i para a terceira parcela do Projeto Art Car BMW .

Além de pinturas, ele também fez esculturas em metal e plástico, incluindo algumas esculturas notáveis ​​públicos, tais como lâmpadas em Santa Maria, Georgia em 1978, e mais de 300 gravuras, a maioria em serigrafia . 

Em 1996, a National Gallery of Art , em Washington, DC se tornou o maior repositório único de trabalho do artista quando ele doou 154 cópias e dois livros. No total, há cerca de 4.500 obras de pensamento para a circulação. 

Ele morreu de pneumonia em 1997  na New York University Medical Center.

Ele foi socorrido por sua segunda esposa, Dorothy, e por seus filhos, David e Mitchell , de seu primeiro casamento. A DreamWorks Records logo foi seu último projeto concluído.  "Eu não estou no negócio de fazer qualquer coisa assim (um logotipo corporativo) e não pretendo fazê-lo novamente", permite Lichtenstein. "Mas eu sei Mo Ostin e David Geffen e pareceu interessante." 

Andy Warhol - 6ª F - Luiza Salette Junca de Almeida

Andy Warhol (nascido Andrew Warhola; Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 — Nova Jersey, 22 de fevereiro de 1987) foi umempresário, pintor e cineasta norte-americano, bem como uma figura maior do movimento de pop art.

Andy Warhol nasceu em Pittsburgh, Pensilvânia.^[1] Era o quarto filho de Ondrej Warhola e Ulja, cujo primeiro filho nasceu na sua terra natal e morreu antes de sua migração para os Estados Unidos. Seus pais eram imigrantes da classe operária originários deMikó (hoje chamada Miková), no nordeste da Eslováquia, então parte do Império Austro-Húngaro. O pai de Warhol emigrou para os E.U. em 1914 e sua mãe se juntou a ele em 1921, após a morte dos avós de Andy Warhol. Seu pai trabalhou em uma mina de carvão. A família vivia na Rua Beelen 55, e mais tarde na Rua Dawson 3252, em Oakland, um bairro de Pittsburgh.^[2] A família eracatólica bizantina e frequentava a igreja bizantina de São João Crisóstomo em Pittsburgh. Andy Warhol tinha dois irmãos mais velhos, Ján e Pavol, que nasceram na atual Eslováquia. O filho de Pavol, James Warhola, tornou-se um bem sucedido ilustrador de livros para crianças.

Nos primeiros anos de estudo, Warhol teve coreia, uma doença do sistema nervoso que provoca movimentos involuntários das extremidades, que se acredita ser uma complicação da escarlatina e causa manchas de pigmentação na pele.^[3] Ele tornou-se umhipocondríaco, desenvolvendo um medo de hospitais e médicos. Muitas vezes de cama quando criança, tornou-se um excluído entre os seus colegas de escola, ligando-se fortemente com sua mãe.^[4] Às vezes quando estava confinado à cama, desenhava, ouvia rádio e colecionava imagens de estrelas de cinema ao redor de sua cama. Warhol depois descreveu esse período como muito importante no desenvolvimento da sua personalidade, do conjunto de suas habilidades e de suas preferências.

Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design.

Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.

Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.

Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.

Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.

Os anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos dapublicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas. Reinventa a pop art com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopasCampbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Michael Jackson,Elvis Presley, Pelé, Che Guevara e símbolos icônicos da história da arte, como Mona Lisa. Estes temas eram reproduzidos serialmente com variações de cores.

Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte.

Em 1968, Valerie Solanas, fundadora e único membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para eliminar os homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com três tiros, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme I shot Andy Warhol (Eu atirei em Andy Warhol), dirigido por Mary Harron, em 1996.

Em 1987, ele foi operado à vesícula biliar. A operação correu bem mas Andy Warhol morreu no dia seguinte. Ele era célebre há 35 anos. De facto, a sua conhecida frase: In the future everyone will be famous for fifteen minutes (No futuro todos serão famosos durante quinze minutos), só se aplicará no futuro, quando a produção cultural for totalmente massificada e em que a arte será distribuída por meios de produção de massa.

Registrado como Andrew Warhola, era filho de pais originários da Eslováquia que migraram para os Estados Unidos durante a Primeira Grande Guerra.

Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design.

Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.
Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956. Passa a assinar Warhol.
O anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos da publicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas. Reinventa a pop art com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopas Campbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Elvis Presley, Che Guevara e símbolos icônicos da história da arte, como Mona Lisa. Estes temas eram reproduzidos serialmente com variações de cores.

Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis, não usuais em obras de arte.

Em 1968, Valerie Solanis, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para castrar homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com um tiro, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme I shot Andy Warhol (Eu atirei em Andy Warhol), dirigido por Mary Harron, em 1996.
 

Artista multimídia

Do meio da década de 1960 e mais adiante, a partir da década de 1970, Warhol radicaliza a idéia de artista multimídia em seu tempo e passa a militar em outras áreas que incluem a música e o cinema, filmando, inicialmente, em 16 mm e depois em Super 8 mm. Seus filmes undergrounds são hoje clássicos do gênero e, entre eles, se destacam Chelsea Girls, Empire e Blow Job (1964). São filmes conceituais, onde "nada acontece", como uma câmera parada filmando um corpo humano ou um edifício a partir de uma janela e chegam a atingir diversas horas de duração. Também fez experiências retratando pessoas célebres no formato Polaroid.

Na música, através do grupo de rock underground Velvet Underground, já nos anos 1970, participou de performances e ajudou a agitar e difundir a cena doglitter rock originária de Londres. Dessa mesma vertente também participam, tanto em Londres, como em Nova York, David Bowie (fase Ziggy Stardust), Lou Reed , Iggy Pop, T. Rex, Kiss, New York Dolls (no Brasil, Secos e Molhados), em que elementos de androginia e ambigüidade sexual são ressaltados através do uso de cílios postiços, purpurinas, saltos altos, batons, lantejoulas e paetês, e enfatizam a decadência de padrões arraigados de comportamento.

Cunha a famosa e profética frase, hoje amplamente divulgada: "In the future everyone will be famous for fifteen minutes". (No futuro qualquer um será famoso por quinze minutos).
 

Mao, foice e martelo e sombras

No fim dos anos 70 e início dos 80, nas artes plásticas, Warhol cria uma série de figuras que incluem o rosto de Mao (1982), com uma dezena de variações em cores berrantes, variações sobre foice e martelo (Hammer and Sickle, 1977), variações sobre o crânio humano (Skulls, 1976), Torso (1982), variações sobre a sombra (Shadows, 1979) e dezenas de retratos de personalidades judaicas, que incluem Freud, Einstein, Kafka, Gershwin, Gertrude Stein e diversos auto-retratos.

Publica The Philosophy of Andy Warhol (from A to B and Back Again, 1977) ePOPism: The Warhol Sixties, juntamente com Pat Hackett (1982) e realiza a mostra Portraits of Jews of the Twentieth Century, com os retratos de personagens de origem judaica e a retrospectiva Reversal Series.

Em 1982 aproxima-se da tv a cabo e cria Andy Warhol's TV e Andy Warhol's Fifteen Minutes para MTV, em 1986. Data dessa época a sua intensa colaboração e amizade com Jean-Michel Basquiat, jovem e promissor artista que ele promoveu e ajudou a se firmar no universo das artes plásticas novaiorquinas, tanto quanto outros, como Francesco Clemente e Keith Haring.

Seus últimos trabalhos datam de 1986 com a série de pinturas intitulada The Last Supper, baseados em Da Vinci e um revival do grande tema da pop art intitulado Ads que remetem aos trabalhos iniciais baseados nos apelos da publicidade e do consumo e nos objetos do cotidiano.

Em janeiro de 1987, não se sentia bem e internou-se no New York Hospital para exames e teve que submeter a uma cirurgia de vesícula, considerada rotineira. Durante o pós-operatório teve uma arritmia cardíaca e faleceu aos 59 anos de idade.

Em 1994 foi inaugurado o The Andy Warhol Museum em Pittsburgh, Pensilvânia. (AAR)
 

Warhol Foundation